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Capítulo 1. La historia del retrato. Más divertida de lo que parece
1.1. La evolución del estilo
1.2. Cronología de la evolución del arte y el retrato
1.2.1. Antiguo Egipto (3100 a. C. – 332 a. C.)
1.2.2. Estilo griego (800 a. C. – 600)
1.2.3. El progreso de Roma (753 a. C. – 476)
1.2.4. Tiempos medievales (476 – 1500)
1.2.5. El primer arte holandés (1420 – 1550)
1.2.6. El Renacimiento italiano (1341 – 1600)
1.2.7. El Renacimiento
1.2.7.1. Renacimiento temprano o Bajo Renacimiento (1400 – 1479)
1.2.7.2. Renacimiento pleno o Alto Renacimiento (1475 – 1525)
1.2.7.3. El Renacimiento en otros países
1.2.7.4. Renacimiento tardío: manierismo (1520 – 1580)
1.2.8. Rumbo al Barroco (1580 – 1750)
1.2.9. El Siglo de Oro holandés (1600 – 1680)
1.2.10. Rococó (1700 – 1785)
1.2.11. Neoclasicismo o por qué puedes volver a casa (1750 – 1860)
1.2.12. Romanticismo (1800 – 1850)
1.2.13. El nacimiento de la fotografía (1826 – 1827)
1.2.14. Pictorialismo (1885 – 1915) vs. Modernismo (1910 – 1950)
1.2.15. La fotografía hace lo suyo (1962 – presente)
1.3. Resumen
Capítulo 2. La iluminación técnica. Las herramientas para controlar la luz
2.1. Cómo vemos
2.1.1. Contraste
2.1.2. Sombra
2.2. Cualidades de la luz
2.3. Modificación de la luz
2.4. Tamaño relativo de la luz
2.5. Posición relativa del fondo
2.6. Que trabaje la luz
2.7. Relaciones de iluminación para controlar el contraste
2.7.1. Relación de iluminación: 1: 1
2.7.2. Relación de iluminación: -1 sin relleno
2.7.3. Relación de iluminación: -2 sin relleno
2.7.4. Relación de iluminación: -3 sin relleno
2.7.5. Relación de iluminación: -4 sin relleno
2.8. ¿Por qué importa el tamaño?
2.9. ¿Por qué importa la forma?
2.10. ¿Cómo la baja iluminación controla el contraste?
2.11. Poniendo la luz donde quieres …
2.12. … Bloqueándola donde no la quieres: los difusores
2.13. El menú especial
2.14. Resumen
Capítulo 3. Tomando forma. Dando forma a la luz, el estado de ánimo y el rostro
3.1. Entendiendo los patrones
3.1.1. Patrón Paramount
3.1.2. Patrón Loop
3.1.3. Patrón Rembrandt
3.1.4. Patrón Split
3.2. Posición relativa de la luz
3.3. Luz amplia vs luz corta
3.4. El eje vertical
3.5. ¿Qué estado de ánimo, qué luz?
3.6. Resumen
Capítulo 4. ¿Cuántas luces? Usar una, dos y tres luces para lograr un propósito
4.1. La luz manipulada con intención
4.2. Tomas en estudio vs tomas en locación
4.3. Fuente única vs fuente múltiple: dos enfoques
4.4. Una luz
4.5. Dos luces
4.6. Tres luces
4.7. Resumen
5. Capítulo 5. El color. Dirigir el ojo e influir en las personas
5.1. Cómo el color influye
Describir el color
5.1.2. Simbolismo y emoción usando el color
5.2. Haciendo que los colores jueguen bien: la armonía cromática
5.2.1. Monocromático
5.2.2. Complementario
5.2.3. Análogo
5.2.4. Tríadico: dominante, tónico y mediador
5.2.5. Los colores y el recuerdo
5.3. Resumen
Capítulo 6. Estilo. Elegir bien para que luzca bien
6.1. Reforzando la intención
6.2. Vestuario
6.3. Elementos de apoyo
6.3.1. Profundidad de campo
6.3.2. Contraste
6.3.3. Iluminación
6.3.4. Exterior vs estudio
6.4. Texturas
6.5. Peinado y maquillaje
6.6. Accesorios
6.7. Resumen
Capítulo 7. Post producción. El acabado de la foto
7.1. Cómo se le pone sal a la imagen
7.2. RGB vs CMYK
7.2.1. Método aditivo
7.2.2. Método sustractivo
7.3. Los componentes del color
7.4. El formato RAW
7.4.1. El histograma
7.4.2. Revelando el formato RAW
7.4.3. ¿Qué es revelar para imprimir?
7.5. El flujo de trabajo
7.5.1 Descartando y editando
7.5.2. Retoque
7.6. Los pasos finales
7.7. Resumen
Capítulo 8. El estilo personal. A tu modo
8.1. Desarrollando tu estilo personal
8.2. Construyendo un discurso de trabajo cohesionado
8.3. Las herramientas no importan (pero sí)
8.3.1. La obsesión por las herramientas
8.3.2. ¿Por qué son importantes las herramientas?
8.4. La narrativa de la imagen
8.5. Casos de estudio
8.5.1. Retrato de Linda
8.5.2. El luchador
8.5.3. La Reina del Norte
8.6. Resumen
Consideraciones finales
Índice alfabético
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